Mardi 19 juin 2018
Le cabinet de curiosités par François Lafon
jeudi 8 mars 2018 à 19h06
A l’occasion d’un questionnaire publié dans le recueil De la tradition théâtrale (Idées/Gallimard, 1975), le metteur en scène et comédien Jean Vilar dresse une liste des derniers mots prononcés par quelques personnages emblématiques : « pureté » (Phèdre), « silence » (Hamlet), « oublier » (Auguste dans Cinna), « arracher » (Œdipe-Roi), « cassette » (L’Avare), etc. A l’opéra, cela fonctionne souvent : « plaisir » (Isolde), « béni » (Werther) « Oui, oui » (La Maréchale du Chevalier à la rose), « donne » (Pelléas), « vérité » (Saint François d’Assise de Messiaen), « paix » (Orfeo de Monteverdi), « liberté » (Orphée de Gluck), « sang » (Wozzeck), « non » (Lulu), « toi » (Lucia di Lammermoor), « joie » (La Traviata), « ciel » (Aida), "Ciel" (Macbeth), « ah ! » (Faust de Gounod), « ah ! » (Faust de Berlioz), « vouloir » (Doktor Faust de Busoni), « éternité » (Faust dans Mefistofele de Boito), « malédiction » (Rigoletto), « scène » (Falstaff), « chef » (Lohengrin), « Graal » (Parsifal), « divin » (Néron de Monteverdi), « sort » (Didon de Purcell), « immortelle » (Didon dans Les Troyens de Berlioz), « jeu » (La Cenerentola), « roi » (Hamlet d’Ambroise Thomas), « mien » (Eugène Onéguine), « amour » (Turandot de Puccini et de Busoni), « nuit » (Barbe-Bleue de Bartok). « Le poète a toujours le dernier mot », conclut Vilar. Il va sans dire qu’à l’opéra, où les livrets sont au service de la musique, c’est le compositeur qui l’a, ou plutôt qui s’en passe puisqu’il a le pouvoir de dire l’indicible. 
François Lafon
(Photo © DR)
Tout l’été à la bibliothèque-musée du Palais Garnier (antenne lyrique de la Bibliothèque Nationale) : Mozart, une passion française. « Pas d’anniversaire, précise le trio des commissaires - Laurence Decobert, Jean-Michel Vinciguerra, Simon Hatab -, seulement de nouvelles productions de la trilogie Da Ponte ». Gageure : raconter, à partir du riche fonds maison, Mozart et l’Opéra de Paris depuis les voyages en France du jeune Amadeus jusqu’aux productions les plus récentes de ses opéras. Autour du manuscrit de Don Giovanni, relique suprême conservée à la BNF (à laquelle l’avait légué la cantatrice Pauline Viardot) et présentée pour la première fois in loco, s’organise le manège des lectures et relectures. Césure bien vue : les années 1830, au cours desquelles le compositeur à la mode devient un classique. Avant, folles adaptations : La Flûte enchantée devenant Les Mystères d’Isis, Les Noces de Figaro « rabeaumarchaistisées », Cosi fan tutte rebaptisé Les Amants napolitains (voire Le Laboureur chinois), Don Giovanni se terminant sur le Dies Irae du … Requiem (de Mozart, quand même). Après, chemin escarpé pour arriver aux actuelles interprétations « historiquement informées » (pour la musique tout au moins). Constatation : c’est plutôt au Théâtre italien ou au Théâtre Lyrique (XIXème siècle) ou au festival d’Aix-en-Provence (XXème), bref ailleurs qu’à l’Opéra de Paris, que le retour à l’original (pas seulement les langues) s’est effectué. Ce n’est par exemple qu’en 1976 (pendant l’ère Rolf Liebermann) que L’Enlèvement au sérail a été donné pour la première fois en allemand au Palais Garnier, la primeur française de la VO revenant à Aix en 1951. Parcours clair, fluide, permettant aux connaisseurs de s’y retrouver et aux néophytes de ne pas s’y perdre. Un certain humour aussi : reproduction de ce royaume de la musique (Gazette musicale de Berlin, traduit dans Le Journal des comédiens du 4 juin 1829), où Mozart est le roi, Haendel le ministre des cultes, Beethoven le généralissime, Bach le ministre de la justice et Rossini le confiseur de la cour. Beau catalogue, textes à méditer du trio des commissaires.
François Lafon

Exposition Mozart, une passion française. Bibliothèque-musée de l’Opéra de Paris (Palais Garnier jusqu’au 24 septembre. Tous les jours 10h - 17 h (18 h du 17 juillet au 10 septembre). Catalogue, éditions BNF, 39 euros (Photo : Mozart, son père et sa sœur d'après Carmontelle © BnF)

vendredi 5 mai 2017 à 23h44
Lancement à l’Opéra-Comique, de la onzième édition de Tous à l’opéra, pendant lyrique, en ce week-end électoral, de l’opération Tous aux urnes dont la culture sous toutes ses formes aura été la grande absente. Vingt-et-un théâtres sur les trente-trois membres de la Réunion des Opéras de France (ROF) y participent cette année, de l’Opéra de Paris à celui de Limoges, du Centre Lyrique de Clermont-Auvergne au Capitole de Toulouse, quelques grandes scènes (cette fois : Dijon, Nantes, l’Opéra du Rhin…) se distinguant par leur absence. Visites guidées, répétitions publiques, concerts et récitals, opérations jeunes, ateliers participatifs : un week-end prosélyte (80 000 spectateurs chaque année), pour tenter une fois de plus de persuader parents et enfants que l’opéra ne s’adresse pas qu’au troisième âge, qu’il n’est pas forcément ennuyeux, qu’il peut même être contemporain sans écorcher les oreilles. Marraine idéale de l’opération et meneuse de revue de cette soirée d’ouverture : Marie-Nicole Lemieux – voix sombre mais tempérament solaire, look chanteuse mais moderne -, en binôme avec Julie Depardieu - comédienne dans la vie et cantatrice dans ses rêves. Fil rouge : la relation amoureuse, depuis le temps béni de la séduction jusqu’à la fin, heureuse ou non, thème décliné sur tous les tons dans un pourcentage élevé d’ouvrages lyriques. Cinq chanteurs dans un cadre à taille humaine pour Dvorak et Bizet, Rossini et Gluck, Saint-Saëns et Mozart, mais surtout pour un feu d’artifice vocal orchestré par la maîtresse de cérémonie : Stéphanie d’Oustrac, formidable Carmen (rendez-vous au festival d’Aix), Philippe Talbot et ses aigus en voix mixte (on pense à Alain Vanzo), Florian Sempey désormais rossinien d’honneur, Chantal Sauton dans la tradition française (celle de Jacqueline Brumaire), et bien sûr Lemieux superstar, enchaînant Dalila, Orphée et l’Italienne (à Alger). Salle comble (soirée gratuite), public atypique, beaucoup de très jeunes, tous reprenant en chœur l’Heure exquise de La Veuve Joyeuse ou la Barcarolle des Contes d’Hoffmann. Et ce ton Lemieux, si bien adapté à la circonstance, qui convertirait à l’opéra les plus sceptiques. 
François Lafon
 
Tous à l’opéra, 6 et 7 mai - www.tous-a-lopera.fr (Photo © DR)

samedi 22 avril 2017 à 00h29
Au théâtre de l’Athénée : The Lighthouse (Le Phare), opéra de chambre de Peter Maxwell Davies (1980). Pas vraiment un opéra policier (en existe-t-il, d’ailleurs ?), plutôt un opéra à énigme, d’autant plus fascinante qu’elle n’a pas été élucidée. De l’incompréhensible disparition, en 1900, des trois gardiens d’un phare des îles Flannan, dans l’archipel des Hébrides, Sir Maxwell Davies, musicien déroutant, rebelle des sixties devenu Master of the Queen’s music, a tiré une fable morale censée dénoncer les méfaits de la mondialisation : Dieu et la Bête, raison et superstition, mystère des destinées, remplacement de l’homme par la machine (on apprend, à mi-chemin, que le phare a été automatisé en 1971). Musique à l’avenant, structurée par le symbolisme numérique du tarot (en particulier la Tour) : tradition anglaise (Britten, Tippett ne sont pas loin) pour les inspecteurs découvrant le phare désert, traditions ancestrales (chanson d’amour, gigue, cantique revisités) pour le bad trip des disparus, le tout lié par un cor faisant office de phare au milieu de la tempête. A moins qu’il ne s’agisse d’autre chose, rien n’étant (bien entendu) explicité ni même balisé. C’est cet autre chose que tente de saisir le metteur en scène Alain Patiès - longtemps collaborateur de La Péniche Opéra - sans perdre de vue les revendications sociales du compositeur : voile du bateau, cercle du phare, barre des témoins, objets concrets parmi lesquels évoluent les trois chanteurs – ténor, baryton, basse – impressionnants en enquêteurs entrant (si l’on peut dire) dans la peau des fantômes. Beau travail d’Ars Nova, douze musiciens (dont l’excellent Emmanuel Tricheux, le cor installé dans la salle) dirigés par Philippe Nahon, habiles à entretenir le charme de cette musique hybride, sans génie mais traversée de vénéneuses intuitions.
François Lafon

Théâtre de l’Athénée, Paris, jusqu’au 28 avril. Clés de l’œuvre par Jacques Amblard le 27 à 19h, salle Christian-Bérard (Photo © DR)

vendredi 2 décembre 2016 à 16h24
A l’Amphithéâtre de la Cité de la Musique, concert annuel de lauréats HSBC (la banque) de l’Académie du festival d’Aix-en-Provence. Des lauréats qui ont fait leurs preuves : le ténor britannique Rupert Charlesworth (promotion 2011) et la pianiste chef de chant française Edwige Herchenroder (promotion 2013) ont enregistré en 2014 pour Zig-Zag Territoires le même programme de Nocturnes en trois langues, de Schubert à Liszt (allemand), de Fauré à Lili Boulanger (français), de Bax à Britten (anglais). Des nocturnes rien moins que soporifiques (moins que sur le disque en tout cas), où l’heure exquise selon Fauré et Verlaine est ennuagée par la Terre rigide (Rigid land) de Britten et Auden (« Car désormais mes rêves de toi ne peuvent plus du tout se référer à toi »). Diction expressive, musicalité consommée, timbre et technique typiquement anglais (de Peter Pears à Ian Bostridge) pour le chanteur, mimétisme en même temps qu’art de donner la réplique pour la pianiste : on n’attend d’eux maintenant des programmes, sinon diurnes, du moins plus contrastés. De bons ambassadeurs en tout cas de cette Académie créée par Stéphane Lissner en 1998 parallèlement au festival, soutenue depuis dix ans par la banque HSBC, laquelle fournit à quelques éléments particulièrement prometteurs les moyens de démarrer dans la carrière. En 2016, palmarès international (pour la France : le baryton Guillaume Andrieux, le pianiste Florian Caroubi, le Quatuor Arod), en tournée tout au long de la saison.

François Lafon

Photo : Guillaume Andrieux © DR

Mer Egée, Cyclades : des noms qui évoquent la Mythologie et les vacances, voire la seule mythologie des vacances. On connaît moins Syros, au cœur de l’archipel, et sa petite capitale, Ermoupolis : un port - jadis le premier du pays, aujourd’hui paradis des yachtmen -, ses deux collines avec chacune leur évêque, grec et catholique, et le Théâtre Apollon, le plus ancien opéra de Grèce (1864) dit encore « La Piccola Scala », délicieuse réduction de l’autre, et fruit de la volonté d’armateurs venus de Chios. Aujourd’hui, la petite Scala vit ses grandes heures en juillet, pour le Festival « international » de l’Egée, dédié à la plus classique des musiques. Fondé voici douze ans par Peter Tiboris, son inamovible directeur, musicien texan de parents grecs, le festival bénéficie de soutiens généreux publics et privés. Au programme, une production lyrique, au milieu de quelques concerts symphoniques. On y vient comme on est, on y croise le pope, le maire et même l’évêque (catholique), invité d’honneur d’un concert de musique sacrée (Campra, Berlioz, Franck, Fauré, Poulenc) par le Chœur d’enfants d’Île-de-France, conduit avec talent par Francis Bardot, juste avant la deuxième représentation de I Pagliacci, dont il assure la partie chorale. Piero Giulacci (Canio), vieux routier des scènes italiennes, sert Leoncavallo avec fougue et sincérité. Il est très applaudi. Alors qu’importe la simplicité du décor ou une prima donna un peu trop prima donna, qu’on croise après la représentation au bras du directeur du festival, … son mari. Si près et si loin de Myconos, en tout cas l’île la plus culturelle de l’Egée.

Gilles Miller

www.festivaloftheaegean.com Photo © DR

Première saison de la Pop : Tristan et Iseut, ni toi sans moi, ni moi sans toi. Explication : à fond de cale relookée chic (noir, rouge) de la Péniche Opéra rebaptisée (seules restent les initiales) mais toujours flottant sur le bassin de la Villette, Geoffroy Jourdain (nouveau maître des lieux avec Olivier Michel), Morgan Jourdain (musique) et Nicolas Vial (metteur en scène) manient le mythe et en assument les dérives. Re-explication : ce Tristan joué, chanté, rafistolé par quatre comédiens-chanteurs-rafistoleurs virtuoses commence à la manière de Poulenc et Michel Legrand, se poursuit à la fortune du pot (verres frottés, bouteilles soufflées, tuyaux de plastique) et se termine dans une apothéose wagnérienne elle-même clôturant une réjouissante rencontre-débat sur le thème « Qu’est-ce que ce mythe nous dit, à nous, aujourd’hui ? ». Peu de moyens mais pas mal d’idées, un art du pince sans rire évitant les délires téléphonés, jeu assez fin avec les niveaux de lecture - même si les parents rient plus fort que les enfants. « La Pop, c’est un laboratoire où des artistes d’horizons variés s’emparent de l’objet sonore et musical pour raconter une histoire », résume Geoffroy Jourdain, d’abord connu comme animateur de l’ensemble vocal Les Cris de Paris. « Un lieu où les spectacles naîtront avant d’aller se faire voir ailleurs », ajoute-t-il en prélude au spectacle. Sur le papier : une volonté (risquée) de se démarquer du style bon enfant de la Péniche Opéra. A en juger par ce Tristan assez désopilant, une continuation finement décalée de la tradition maison.

François Lafon

La Pop, Quai de la Loire, Paris. www.lapop.fr Photo © DR

Disparition à soixante-sept ans du metteur en scène Luc Bondy, directeur depuis 2012 de l’Odéon-Théâtre de l’Europe. En 1979 – à propos de la première à l’Opéra de Paris de Lulu d’Alban Berg dans la version complétée par Friedrich Cerha - confrontation à l’Abbaye de Royaumont des tandems Patrice Chéreau-Pierre Boulez et Bondy-Christoph von Dohnanyi, artisans à Hambourg d’une Lulu incomplète mais mémorable. Découverte alors de ce jeune Zürichois bilingue français-allemand, qui aux péremptoires « Je veux dire » de Chéreau oppose un autre tic de langage : « Je ne sais pas, mais… ». Deux spectacles - théâtre et opéra - lui conféreront en France le durable statut d’artiste culte : Terre étrangère d’Arthur Schnitzler (Nanterre-Amandiers - 1984) et Don Carlos de Verdi (Châtelet -1996). Plus qu’à Chéreau, dont il sera l’éternel challenger (et avec qui il partagera le pourtant exclusif scénographe Richard Peduzzi), c’est plutôt à Klaus Michael Grüber, un de ses grands prédécesseurs à l’illustre Schaubühne de Berlin, que s’apparente sa manière : patchwork stylistique, plages vacantes ponctuées de fulgurances, direction d’acteurs à la fois lâche et précise. Sa superbe Salomé (Salzbourg – 1992, DVD Decca), sa Tosca, qui a succédé non sans remous au MET de New York à la version historique de Franco Zeffirelli, résume cet art consommé de l’intermittence (DVD Virgin Classics).

François Lafon

Photo © DR

mardi 6 octobre 2015 à 12h21

En même temps que l’annonce de sa fermeture pour travaux, l’Opéra Comique désormais dirigé par Olivier Mantei lance un nouveau concept (enfin, nouveau sous nos cieux) : l’opéra participatif. L’ouvrage en question, mis en musique par le Français Philippe Manoury, en mots par l’Autrichienne Elfriede Jelinek (prix Nobel) et en scène par l’Allemand Nicolas Stemann, sera titré Kein Licht (Pas de Lumière) et devrait être créé salle Favart en octobre 2017. Principe de l’entreprise : fonder une société de « mécènes-producteurs », c'est-à-dire de donateurs admis à participer « aux étapes de travail habituellement confidentielles entre les artistes et les équipes de production ». Participer ou assister ? Quel généreux contributeur ira taper sur l’épaule du compositeur pour lui indiquer une faute d’harmonie à la mesure 632, ou (plus vraisemblable, quand même) sur celle du metteur en scène pour lui faire remarquer qu’il verse trop dans le Regietheater ? A moins que… les trois noms à l’affiche étant censés attirer un tout autre public que La Traviata relookée par Arielle Dombasle… Une expérience significative en tout cas,  en ces temps de disette subventionnelle et de frilosité créative. Les candidats ont trois mois pour se déclarer, la plateforme de financement participatif étant d’ores et déjà ouverte sur Culture Time. Les anciens se souviendront à cette occasion des productions de disques par souscription, vite devenues des « offres spéciales » de rentrée, plus très participatives. Autres temps…

François Lafon
 

lundi 29 juin 2015 à 19h54

Initiative originale du Théâtre de La Monnaie de Bruxelles : un appel à projets de mise en scène pour Mitridate, Re di Ponto de Mozart. Règle du jeu : envoyer anonymement et en anglais intentions dramaturgiques, maquettes de décors, présentation de l’équipe artistique (à part, pour ne pas compromettre l’anonymat) avant le 18 septembre 2015. Sélection de trois équipes le 28 septembre, lesquelles participeront à un workshop en octobre. Désignation de l’équipe gagnante le 15 octobre, début des répétitions le 29 mars 2016, première le 5 mai sous le chapiteau de La Monnaie, où se déroule (entre autres lieux) la saison extra-muros pendant les travaux du théâtre. Mise à disposition des chanteurs (Michael Spyres dans le rôle-titre, Lenneke Ruiten, Myrtò Papatanasiu en Aspasia et Sifare), du chef (Christophe Rousset), de l’Orchestre et de « toutes les équipes techniques nécessaires », ainsi que d’un budget pour chaque équipe artistique. Mitridate, opera seria du jeune Mozart (quatorze ans) lointainement inspiré de la pièce de Racine, met en scène la lutte du Roi du Pont (la partie nord de la péninsule turque) contre les Romains : on peut espérer des projets engagés (anonymat aidant ?), voire polémiques, d’autant que le spectacle remplacera la production de Robert Carsen (dictature militaire, palais bombardé) déjà donnée en 2007, impossible à reprendre pour des raisons techniques. Intéressant aussi de voir qui se lancera dans la compétition : jeunes troupes, artistes confirmés, outsiders, plaisantins ? Dans sa présentation de la saison 2015-2016, le directeur de La Monnaie Peter de Caluwe cite Schiller via l’historien néerlandais Johan Huizinga : « L’homme ne joue que là où il est homme, dans la pleine acception de ce mot, et il n’est tout à fait homme que là où il joue ». « Jouer est indéniablement le mot qui résumera le mieux la saison », ajoute-t-il. En effet.

François Lafon

Envoi des projets en cinq exemplaires avant le 18 septembre 2015 au Théâtre Royal de la Monnaie / Mitridate / Marie Goffette / 4 rue Léopold / 1000 Bruxelles

jeudi 2 avril 2015 à 16h12

Parution en DVD de Lulu d’Alban Berg, filmé en 2012 à Berlin (Schiller Theater, pendant les travaux du Staatsoper) dans la mise en scène d’Andrea Breth et sous la baguette de Daniel Barenboim. Un cas d’école, moins à cause du caractère abscons du spectacle (rien de nouveau au pays de la Regietheater) que du réaménagement dramaturgico-musical de l’oeuvre. Depuis 1979 – création de la version complétée par le compositeur viennois Friedrich Cerha à partir du matériel laissé par Berg à sa mort – Lulu est considéré comme gravé dans le marbre, la seule excentricité admise étant le retour à la version donnée jusque-là, en deux actes suivis, pour remplacer le 3ème acte inachevé, d’extraits de la Suite orchestrale de la plume de Berg lui-même. Or c’est une nouvelle mouture, baptisée « version de Berlin », qui est donnée ici, due au compositeur anglo-allemand David Robert Coleman. Pourquoi pas, le travail scrupuleux de Cerha sur le 3ème acte laissant subsister des longueurs que Berg aurait probablement éliminées ? Mais Coleman, de conserve avec la metteur en scène qui tenait à présenter l’action sous forme de flashback, ne s’est pas contenté d’élaguer. Il a supprimé le prologue, où les personnages sont assimilés par un dompteur à des animaux de cirque, et tout le tableau « de Paris » au 3ème acte, siège principal des longueurs susnommées. Pourquoi pas, là encore, Lulu n’étant pas (tant s’en faut) un ouvrage sacré ? L’ennui, c’est que, tout en prétendant mettre en valeur les symétries et effets de miroir chers à Berg, ces coupes claires détruisent - musicalement mais aussi dramatiquement - la structure « en arche » révélées par la version Cerha, autour du pivot constitué par la « Musique de film » qui relie les deux tableaux du 2ème acte. Il a aussi orchestré ce qui reste du 3ème acte (la mort de Lulu à Londres sous le couteau de Jack l’Eventreur) façon jazz, avec marimbas, cloches à vaches et steel-drums. Des moustaches à la Joconde, qui au moins ne contribuent pas, elles, à faire perdre son équilibre tardivement retrouvé à un chef-d’œuvre déjà foisonnant.

François Lafon

1 DVD Deutsche Grammophon 073 4934

mardi 24 mars 2015 à 17h22

Au Petit Palais, exposition De Carmen à Mélisande, drames à l’Opéra Comique, à l’occasion du 300ème anniversaire de l’institution. Deux-cents manuscrits, programmes, photographies, tableaux, dessins, films, enregistrements, maquettes et costumes pour raconter vingt-sept ans de création (1875 – 1902) à travers sept ouvrages emblématiques : Carmen, Lakmé, Les Contes d’Hoffmann, Louise, Manon, Le Rêve, Pelléas et Mélisande. Une exposition documentée et efficacement pédagogique mais modeste d’apparence, aux tonalités un peu fanées en dépit de l’habillage symbolique de chaque section (rouge sang pour Carmen, bleu Watteau pour Manon, sable pour Lakmé…), le tout évoquant assez bien ce théâtre petit-bourgeois confiné dans l’ombre du grand opéra réservé aux riches. Un théâtre pas si conformiste pourtant, où soufflait l’air du temps au risque de choquer les habitués : scandale pour Carmen (sexe, meurtre et désertion), Louise (« roman musical » à tendance libertaire), Pelléas (anti-opéra nappé de non-musique), Le Rêve (Alfred Bruneau + Emile Zola, double peine naturaliste). Un choix habilement orienté, retenant des œuvres qui ont survécu (des drames d’ailleurs, comme l’indique le titre de l’exposition), laissant de côté l’ordinaire de la maison, dont le directeur sortant Jérôme Deschamps a donné ces dernières années une image plus conforme en programmant Carmen et Pelléas, mais aussi l’aimable Marouf, savetier du Caire d’Henri Rabaud ou – à l’affiche en ce moment – l’inoffensif Pré aux clercs de Louis-Ferdinand Hérold.

François Lafon

Petit Palais, Paris, jusqu’au 28 juin - En parallèle : L'Opéra Comique et ses trésors, Centre national du costume de scène, Moulins, jusqu'au 25 mai. Photio © DR

jeudi 24 avril 2014 à 00h07

Puccini réorchestré par Bernd Alois Zimmermann, ou accident d’orchestre pour cette Bohème contemporanisée par le metteur en scène Philippe Sireuil à l’Opéra de Zürich en 2007 ? Comme nombre de ses confrères, le ténor Marcelo Alvarez transpose sa partie dans le grave pour éviter les notes trop aiguës. Le chef Paolo Carignani n’a apparemment pas été prévenu. Résultat ici :


dimanche 9 mars 2014 à 19h13

Disparition, à soixante-dix ans, de Gerard Mortier. Hommages répétés à son refus de l’opéra-musée, à sa conviction que l’art lyrique a beaucoup plus qu’on ne le croit à nous apprendre sur nous, ici et maintenant. Liste glorieuse de « ses » metteurs en scène : Luc Bondy, Patrice Chéreau, Karl-Ernst et Ursel Herrmann, Gilbert Deflo, Peter Sellars, Klaus-Michael Grüber, Christoph Marthaler, Krzysztof Warlikowski, Michael Haneke. Opéra, théâtre, cinéma, même combat : « Mon rôle est d’essayer de semer le doute dans les esprits ». Vu d’ailleurs, hors de la bulle opéra, son avant-gardisme impressionnait moins : tel Rameau, trop en avance pour les lullistes, déjà dépassé pour les gluckistes, il aura pris le risque – comme le dit Pierre Boulez d’un confrère non identifié – d’être démodé avant d’être modé. « La tâche des hommes politiques devrait être de rapprocher le peuple des artistes », disait-il. Avant même d’être un idéologue, il était un idéaliste.

François Lafon

mercredi 25 septembre 2013 à 09h21

Il y a eu Die lustigen Nibelungen, opérette en trois actes d’Oscar Straus (1904), Bob et Bobette, le trésor de Fiskary, bande dessinée de Willy Vandersteen (1953), The Ring of the Nibelung, an analysis, one woman show d’Anna Russell (« L’histoire commence dans le Rhin. DEDANS !!! » – 1953), What’s Opera, Doc ?, dessin animé de Chuck Jones avec Bug’s Bunny (1957), La (toute) petite Tétralogie, théâtre musical de Michel Jamsin et Anne Laure Liégeois (2010), Nietzsche – Wagner : le Ring, spectacle philosophico-musical d’Alain Bézu (2010), Ring Saga, une Tétralogie de poche signée Antoine Gindt (2011). Voici, venu de Sidney (Australie), Le Ring raconté en deux minutes et demie, ou Pourquoi faire long, etc,. Une occasion rêvée pour rafraîchir votre anglais.

François Lafon
 

jeudi 11 avril 2013 à 10h41

2588 œuvres dont plus de 300 en première mondiale, 1198 compositeurs dont 640 vivants, ont été représentées dans le monde de 2007 à 2012, selon le site Operabase. Pour le nombre des représentations, Paris (392) arrive en quatrième position derrière Berlin, Vienne et Londres et la France (1219)  est à la même place derrière les Etats-Unis, l’Allemagne et l’Autriche, mais  se retrouve ... 19ème quant au nombre de représentations par million d'habitants. Verdi, Mozart, Puccini, Wagner et Rossini constituent le Top 5 des compositeurs « classiques » les plus représentés (en nombre d’œuvres), Phil Glass, Hans-Werner Henze, John Adams, Peter Maxwell-Davis et Jake Heggie celui des compositeurs « contemporains », les compositrices n'apparaissant qu'à la 15ème place avec Kaija Saariaho. Le Top 10 des opéras les plus représentés est sans surprise : La Traviata, La Bohème, Carmen, La Flûte enchantée, Tosca, Les Noces de Figaro, Madame Butterfly, Le Barbier de Séville, Rigoletto, Don Giovanni. A noter tout de même qu’Aïda, longtemps en tête avec Carmen, n’arrive qu’en 14ème position (manque de voix pour le chanter ?) alors que La Traviata passe pour la première fois en tête de liste. A noter aussi qu'aucun ouvrage de la seconde moitié du XXème siècle ne figure parmi les 25 titres leaders, le premier d’entre eux, Le Tour d’écrou de Benjamin Britten (1954), arrivant en 73ème position. Une précision : Jake Heggie, cinquième des compositeurs contemporains les plus représentés, est l’auteur de Dead Man Walking (2000), triomphe international pas encore donné en France. Une remarque : Händel est neuvième dans la liste des compositeurs les plus représentés, mais aucun autre musicien antérieur au XIXème siècle (Mozart mis à part, bien-sûr) n'apparaît avant Gluck et Purcell (23ème et 24ème places). L'invasion de l’opéra baroque, fêtée par les uns, déplorée par les autres, serait-elle un effet d’optique, à moins que ce ne soit un phénomène franco-français ?

François Lafon

Photo Mireille Delunsch dans La Traviata DVD Bel air

dimanche 28 octobre 2012 à 11h33

« A la fin de Dialogues des Carmélites, toutes les Carmélites doivent mourir ». C’est le cri du cœur que poussent par voie de justice les héritiers de Georges Bernanos et Francis Poulenc à l’occasion de la reprise de l’ouvrage au Staatsoper de Munich dans la mise en scène de Dmitri Tcherniakov. Tardive réaction : le spectacle existe depuis 2010, il est même paru en DVD l’année dernière, et les représentations auront lieu, accompagnées d’une mise au point distribuée au public. Tcherniakov, connu pour ses relectures radicales mais talentueuses du répertoire (son Don Giovanni façon complot de famille a alimenté la chronique au festival d’Aix) n’y est, il est vrai, pas allé de main morte : plus de Carmélites, plus de Révolution française, mais des femmes, quelque part dans un pays totalitaire, qui finissent par faire sauter à coups de bouteilles de gaz le local vitré dans lequel elles vivaient à la fois recluses et exposées au regard des passants. Argument du metteur en scène : l’angoisse générée par une telle situation parle davantage à notre époque. Peut-être, mais ce qui a choqué les ayants-droit, c’est que ces dames (sauf une) finissent par sauver leur peau, alors que l’œuvre ne prend son sens que si elles accomplissent leur vœu de martyre. Un radicalisme, en effet, qui devrait continuer à parler à notre époque.

François Lafon

Bayerische Staatsoper, Munich, les 28 octobre, 1, 4 novembre.

samedi 14 juillet 2012 à 21h40

Retransmission sur Medici TV et Arte Live WEB de Written on skin, l’opéra de George Benjamin (musique) et Martin Crimp (livret), en direct du festival d’Aix-en-Provence. « Attention : chef-d’œuvre » (Concertclassic.com) ; « Le premier chef-d’œuvre du siècle» (Le Soir, Bruxelles) ; « Le meilleur opéra écrit depuis vingt ans » (Le Monde). « On dirait que Benjamin a étudié tous les pièges posés par le genre pour mieux les déjouer » (Le Figaro). Pas si simple, pourtant, le chef-d’oeuvre : intrigue en abîme, télescopage des époques, tissu vocal subtilement dialectique, réflexion sur l’image et l’incarnation. « J'ai un problème avec l'écriture vocale de beaucoup d'œuvres récentes, car je n'aime pas que la voix fasse des zigzags permanents, explique Benjamin. J'ai dû (…) éviter les changements continuels de tessiture, bannir les intervalles modernes, devenus conventionnels. Je voulais surtout que la ligne vocale reflète les intentions des personnages. Il y a un rapport de force et une intention derrière chaque réplique. ». Au lieu de régler ses comptes avec le genre, il en renouvelle les données. Cela change, en effet, des habituels anti-opéras. Le spectacle, superbement mis en scène par Katie Mitchell, est programmé à Londres, Amsterdam, Toulouse et Florence. C’est tout pour l’instant. Medici le propose en VOD (payant) jusqu’au 31 octobre, Arte en streaming jusqu’en janvier 2013. Bande son sur France Musique le 22 juillet.

François Lafon

Photo © Pascal Victor/Artcomart

mercredi 23 mai 2012 à 10h23

Polémique au Metropolitan Opera de New York. A la suite d’une descente en flammes du Crépuscule des dieux mis en scène par Robert Lepage suivie d’un dossier mettant en cause sa politique artistique, Peter Gelb, le directeur général, décide d’interdire de critique la revue Opera News. Il en a les moyens : ladite revue, fondée en 1936 dans le but de fournir un soutien financier au MET, est toujours dirigée par un directeur adjoint de la maison. Tollé des abonnés, appel au respect de la libre expression. Aux dernières nouvelles, Peter Gelb a fait machine arrière, admettant qu’il avait fait une erreur, que le MET n’existait que par le bon vouloir du public, que celui-ci attendait d’Opera News qu’il chronique les spectacles du MET, et qu’il s’inclinait devant une « vague de déception ». Opera News tire à 100 000 exemplaires, couvre l’actualité lyrique américaine et internationale, chronique des disques, bref, se pose depuis trois quarts de siècle en leader d’opinion. Comme si En Scène, la revue promotionnelle de l’Opéra de Paris, ne faisait qu’un avec Opéra Magazine. Or personne jusqu’ici n’avait apparemment crié au trafic d’influence.

François Lafon

lundi 2 avril 2012 à 08h26

« Vous êtes malheureux en amour, ou en train de divorcer ? Votre partenaire a cessé de vous écouter ? Vous n’avez plus d’autorité sur vos enfants ? Vous ne vous entendez pas avec vos parents ? Vous pleurez un être cher ? Vous en avez assez d’être seul(e) ? Vous êtes en conflit avec votre patron ? Nous croyons à l’opéra, et pensons que l’opéra peut vous apporter une solution ». La solution a pour nom Operahjälpen (SOS Opéra) et fait partie du programme Opera Showroom, imaginé par le Britannique Joshua Sofaer avec des artistes du Folkoperan, deuxième scène lyrique de Stockholm, plus avant-gardiste que l’Opéra Royal de Suède. «J’ai chanté à domicile pour un couple qui perdait le contact, se disputait beaucoup, explique la soprano Henrika Gröndahl sur le site suisse 24 heures. L’aria choisie, "Donde lieta usci", tirée de La Bohème de Puccini, évoque une séparation. Au bout de deux mesures, la femme pleurait et s’agrippait au bras de son époux, qui lui-même semblait très ému ». « Le projet n’est pas une musicothérapie. Le son modifie la pièce qui demeure comme hantée après le départ du chanteur», précise Joshua Sofaer. « Si vous n’avez pas de problème, c’est vous qui venez au spectacle », ajoute Pia Kronqvist, directrice du Folkoperan. La séance à domicile est gratuite, comme la première dose offerte par un dealer. Qui affirmera, après cela, que l’opéra, n’est pas une drogue ?

François Lafon

Photo : Henrika Gröndahl en pleine thérapie © DR

dimanche 2 octobre 2011 à 11h28

Il y a une vingtaine d’années, Franco Zeffirelli avait déclaré qu’il monterait volontiers La Tétralogie à condition que les gardiens du temple wagnérien le laissent en faire un digest de quatre heures. Réaction desdits wagnériens : « Que Monsieur Zeffirelli s’en tienne à La Bohème et Aïda ». A la même époque, en Angleterre, le compositeur Jonathan Dove et le metteur en scène Graham Vick attiraient à l’opéra un nouveau public en condensant des chefs-d’œuvre du répertoire, parmi lesquels … La Tétralogie. Quatre soirées en un week-end, neuf heures de musique (et non plus quatorze, mais tout de même pas quatre), dix huit instrumentistes, quinze chanteurs. C’est ce Ring Saga, mis en scène par Antoine Gindt, qui parcourt en ce moment la France et ses environs : Porto, Strasbourg (dans le cadre du très chic festival Musica), Paris, St-Quentin-en-Yvelines, Nîmes, Caen, Luxembourg, Reims. Sans vedette, mis en scène a minima, le spectacle fait le plein partout. Les Français ne sont pourtant pas privés de Tétralogie grandeur nature : Aix-en-Provence, Strasbourg, Paris, pour ne citer que les plus récentes. Mais s’offrir un Ring complet n’est pas à la portée de toutes les bourses, ni de toutes les oreilles. Alors Wagner pour les riches, Wagner pour les nuls ? Un opéra à deux vitesses ? Prix des places pour le cycle intégral de Ring Saga : de 10 à 65 euros (Caen), de 80 à 120 euros (Strasbourg). Même en mini-lingots, l’Or du Rhin manque de stabilité.

François Lafon

ringsaga.com    Photo©CasaMusicaPorto

lundi 22 août 2011 à 10h30

Débat d’experts autour du Porgy and Bess de Gershwin, monté à Cambridge (Massachusetts) par l’American Repertory Theatre, et repris à Broadway l’hiver prochain. En tête de la fronde : Stephen Sondheim, compositeur et librettiste, conscience et mémoire de la comédie musicale. Depuis les années 1980, l’ouvrage de Gershwin figure au répertoire des grandes maisons d’opéra, le MET en tête. Des éditions musicologiques ont vu le jour, bien éloignées de la version entertainment créée en 1935 à Broadway, avec un succès d’ailleurs modeste. Première pomme de discorde : le titre, qui devient « Le Porgy and Bess de Gershwin ». « Au cas où on l’aurait confondu avec celui de Rogers et Hart », ironise le critique Patrick Healy, du New York Times. Plus grave, le livret est remanié : ajouts de dialogues, de péripéties et même d’un happy end qui modifie la signification de l’œuvre. On sait désormais pourquoi Porgy est infirme, et comment Bess est devenue une fille perdue. Exeunt les archétypes qui font le grand opéra, remplacés par des humains comme vous et moi. Réponse de Diane Paulus, metteur en scène du spectacle : « On peut pas demander à un public actuel de s’intéresser pendant trois heures à une intrigue pleine de lacunes et à des personnages incompréhensibles ». Et de fustiger les puristes gershwiniens, qu’elle assimile à une secte. Cela va faire drôle aussi d’entendre l’orchestre réduit à un petit ensemble de dix-huit musiciens, quand on est habitué aux enregistrements symphoniques de Lorin Maazel ou Simon Rattle. Stephen Sondheim y sera sensible, lui qui a dû attendre que ses propres ouvrages (A Little Night Music, Sweeny Todd) soient donnés à Paris, au Châtelet, pour les entendre « grandeur nature », avec le Philharmonique de Radio France dans la fosse.

François Lafon

lundi 14 février 2011 à 20h54

Un camion bélier, un portail défoncé, un entrepôt pillé : scène de chasse en banlieue. Mais ce ne sont pas seulement des tuyaux de métal (très recherchés) qui ont disparu du Théâtre de la Mezzanine, à Lieusaint (ville nouvelle de Sénart), c’est le décor géant imaginé par le metteur en scène Denis Chabroullet pour Didon et Enée de Purcell. Deux ans de travail, trente personnes au chômage, dix tonnes de matériel, cent mille euros de pertes. Le spectacle, qui tournait depuis la mi-novembre en Ile-de-France, était bien dans le style maison : onirique et paroxystique, entre palais des merveilles et fourre-tout de chiffonnier, le tout baignant dans une sorte de lac où se reflétaient objets récupérés et corps en perdition. Tout doit être reconstruit pour avril, où la tournée doit continuer. Loi des séries ou improbable hasard : la Serre (c’est le nom du lieu) venait tout juste d’échapper à la destruction, la clinique qui devait la remplacer allant finalement s’installer ailleurs. Les dons sont les bienvenus : à votre bon cœur ! En attendant, la banlieue, encore une fois, se passera d’opéra.

François Lafon

Théâtre de la Mezzanine : 01 60 60 51 06. http://www.theatredelamezzanine.com/

dimanche 23 janvier 2011 à 09h46

En 3D, comme Avatar : c’est le petit plus inauguré par l’English National Opera pour la retransmission, en direct sur la chaîne TV Sky 3D et en salles, de sa nouvelle production de Lucrèce Borgia de Donizetti. Le cinéaste Mike Figgis (Leaving Las Vegas), qui met le spectacle en scène, a même imaginé, en plus des entractes avec visite des coulisses et interviews des chanteurs, des interludes filmés racontant la jeunesse de l’illustre empoisonneuse, composés, entre autres, d’extraits de la Lucrèce Borgia d’Abel Gance avec Edwige Feuillère (1935). Le 5 mars, la Carmen du Covent Garden sera donnée en salles en 3D, mais pas en direct. L’opéra sur écran n’est plus un ersatz, et offre davantage que le spectacle live. Davantage ? Et la voix au naturel, et la présence scénique, et la sensation d’assister à une aventure unique ? Ne tremblez pas, chers abonnés : en 3D ou non, les caméras ont encore besoin (pour combien de temps ?) d’avoir quelque chose à filmer.

François Lafon

Lucrezia Borgia, du 31 janvier au 3 mars à l’English National Opera, Londres. En direct le 23 février sur Sky Art 2, Sky 3D et des salles de cinéma. (Photo extraite du film d'Abel Gance)

lundi 22 novembre 2010 à 10h35

Dans la louable intention de construire des ponts entre le Chine et le reste du monde, Pékin a envoyé l’année dernière le plasticien branché Zhang Huan monter Semele de Handel à Bruxelles. Auréolé du succès qu’il a remporté au Théâtre de la Monnaie, le spectacle est arrivé en fanfare dans la capitale de l’Empire du Milieu. Mais là, la commission de censure s’est déchaînée. Transposer en Chine la mythologie gréco-latine, c’est bien. La nudité et la lubricité, ça ne l’est pas : l’âne (une marionnette habitée par deux manipulateurs) doit cacher son priapisme et les acteurs sont priés de se rhabiller et d’éviter tout « geste sexuellement suggestif ». Non moins grave est l’impertinence morale, ou politique. Plus de chœur grec en robe safran : on dirait des moines tibétains. Edulcoration des sous-titres, coupures dans le film, projeté pendant l’ouverture, expliquant la présence sur scène d’éléments sculptés d’un temple de la dynastie Ming : l’ex-propriétaire dudit temple a été exécuté pour avoir tué l’amant de sa femme, et cela ne se raconte pas. Que cela soit la clé de la transposition de l’action, que le public, déjà désarçonné par la musique, ne comprenne plus grand-chose au projet initial est secondaire. Suppression enfin de L’Internationale, chantée à la fin du spectacle. Au New York Times, Lady Linda Wong Davies, directrice de la KT Wong Foundation (Londres) et productrice du spectacle, a déclaré : « La prochaine fois, nous monterons Mary Poppins ou La Mélodie du bonheur. » Parce que Le Roi et moi, cela risque de ne pas être politiquement correct ?

François Lafon
 

Photo : Han Fen

vendredi 11 juin 2010 à 16h17

Robert Hossein a de quoi être fier : au Wolf Trap, un centre de spectacles en pleine nature à quelques miles de Washington, le metteur en scène James Marvel lui a emprunté l’idée de faire voter le public. Cette fois, il ne s’agit pas de se demander si Gaston Dominici est innocent ou si Marie-Antoinette mérite la guillotine, mais si Zaide, le singspiel inachevé de Mozart, doit se terminer bien ou mal. Si l’on n’écoute que la musique, cette histoire d’esclaves chrétiens en terre musulmane - dans laquelle on a vu un brouillon de L’Enlèvement au sérail – s’arrête au moment où le sultan condamne les captifs pour avoir voulu s’évader. Mais le livret - ou tout au moins ce qu’on croit en savoir - ménage un coup de théâtre façon « croix de ma mère », qui amène le potentat à libérer tout le monde. C’est à l’entracte que les spectateurs doivent trancher. Le contexte n’est pas innocent : il s’agit moins d’être - ou non -  fidèle à l’esprit des Lumières en optant pour la clémence, comme dans L’Enlèvement au sérail, que de décider si l’on juge l’Islam capable de mansuétude vis-à-vis de l’Occident chrétien. Quatre représentations sont prévues : l’Amérique profonde n’a plus qu’à parler. Dans sa mise en scène de Zaide, créée à Vienne et donnée il y a deux ans au festival d’Aix-en-Provence, l’Américain Peter Sellars ne tranchait pas. Et pourtant, Sellars est connu pour être un incorrigible idéaliste.

François Lafon

Zaide, de Mozart. Gary Thor Wedow (direction). Wolf Trap Opera, les 11, 13, 15, 19 juin. www.wolftrap.org.

jeudi 3 juin 2010 à 09h49

Pour succéder au chroniqueur Henry-Jean Servat et à l’actrice Julie Depardieu, Patrick Poivre d’Arvor en personne. Pour quoi faire ? Monter un opéra. C’est à Carmen que PPDA va se mesurer. Il aurait préféré monter Don Giovanni, mais sa fille Solenn préférait Carmen. « Je m’endors avec Carmen, sans avoir besoin du son » ( ?)  a-t-il déclaré. De  cour (d’honneur) en  jardin (du château), Opéra en plein air promène chaque année un spectacle à travers la France. Il s’agit de « susciter un rapport nouveau à l’art lyrique ». Pas question, donc, de relecture critique des chefs-d’œuvre du répertoire. On y va comme à un Son et Lumière, sans faire attention aux aléas de la sono, et sans se poser de questions sur la pertinence stylistique de ce qu’on voit et (avec de la chance) entend. Les vieilles pierres, de toute façon, sont là pour légitimer l’entreprise. Patrick Poivre d’Arvor a, comme ses prédécesseurs, un co-équipier censé redresser la barre en cas de tempête, en la personne de Manon Savary, fille de Jérôme. Ensemble, ils veulent échapper à l’espagnolade, et imprimer au spectacle « un caractère furieux » et un rythme rappelant celui du JT (sic). Une des vertus de cet acte culturel estival est de donner leur chance à de jeunes chanteurs. Dont acte. En tout cas, le concept fonctionne, puisque l’opération fête son dixième anniversaire.

François Lafon

 

Carmen, 26 représentations, du 3 juin au 4 septembre

vendredi 21 mai 2010 à 08h21

 Cette troisième et dernière leçon nous initie aux aspects philosophiques, voire métaphysiques de la méthode.
 

 
19) L’ennui du public est une forme d’art.

20). Il doit y avoir un tas de ferraille dans un coin, que l’on manipule sans raison, et qui s’écroule de préférence quand l’orchestre joue piano. Veiller à ce que les objets dangereux soient placés sur le bord du plateau, de manière que, quand les danseurs ont les yeux bandés, ils puissent shooter dedans et les envoyer dans la fosse d’orchestre.

21) Les apartés doivent être chantés face à celui qui est censé ne pas les entendre.

22). Les protagonistes doivent être maquillés en blanc, de manière à perdre toute individualité, toute variété dans leurs expressions. De toute façon, ils ne savent pas jouer. Ils ne sont là que pour prendre la pose et émettre de jolis sons.
 
23). Essayez de lire le livret à l’avance, pour être sûr qu’il ne se mettra pas en travers de vos idées. N’allez pas jusqu’à écouter un enregistrement de l’œuvre : ce n’est pas votre travail.

24) Faites en sorte que le chef se sente utile, même s’il n’est qu’un intrus, un manieur de premier degré.

25). Le metteur en scène doit bannir toute idée qui ne vient pas de lui, même si cette idée figure déjà dans cette liste.

26) Un costume doit répondre au moins à deux de ces critères : a) enlaidir le chanteur ; b) obscurcir sa vue ; c) l’empêcher d’entendre l’orchestre ; d) gêner ses mouvements ; e) être en contradiction avec l’époque indiquée par le livret (ce dernier point ayant à peine besoin d’être mentionné).


Voilà. Sans prétendre égaler les maîtres en la matière que sont Christoph Marthaler, Claus Guth ou Christof Loy, vous avez en mains les éléments qui vous permettront de percer les secrets du Regietheater tel qu’il est pratiqué sur la plupart des scènes lyriques. Faites-en bon usage. Et si vous pensez aux pyramides en écoutant Aida, s’il vous arrive d’imaginer Wotan vêtu de peaux de bêtes et Manon en robe à paniers, apprenez par cœur ces vingt-six préceptes. Vous pourrez vous les réciter et échapper ainsi à toute tentation de révisionnisme dramaturgique.

François Lafon
 
Illustration : Le Roi Roger de Karol Szymanowski, mise en scène de Krzysztof Warlikowski à l'Opéra National de Paris.
mercredi 19 mai 2010 à 07h43

Les huit premiers préceptes de « How to opera germanly » ont posé les principes de base de la méthode. Avec cette deuxième leçon, nous en abordons quelques aspects plus pratiques. 

9) Les scènes de sexe doivent être sans charme, agressives même. Le must : se rouler par terre.

10) Des comportements homosexuels sans motif apparent doivent émailler l’action.

11) Le happy end est une faillite intellectuelle. Jouer le contraire. Ajouter si possible un meurtre.

12). Eviter à tout prix de plaire au public. S’il siffle, vous avez gagné.

13) Répétez l’opération jusqu’à ce que celui-ci soit mort. Très important.
 

14) Toute allusion à la beauté ou au mystère de la nature doit être évitée. Le décor doit être prosaïque, contemporain et décrépit. N’oubliez pas les lumières fluorescentes. Les lampes à arc sont aussi admises.

15) Le public ne doit pas savoir à quels moments il peut applaudir ni quand la scène/l’acte se termine.

16) Les atrocités de l’histoire, comme l’Holocauste ou le sida, doivent être le plus possible exploitées. Les mœurs du public doivent aussi être tournées en dérision.

17) Les couleurs relèvent de l’opéra culinaire : du noir, du blanc, du gris, rien d’autre.

18). Les choristes doivent avoir le crâne rasé, être sans sexe, sans visage et en trench coat.

 

François Lafon
 
Illustration : mise en scène de Cristoph Marthaler de Tristan et Isolde de Richard Wagner au Festival de Bayreuth. Crédit photo: Enrico Nawrath

Depuis son apparition sur la toile au début du XXIème siècle, « How to opera germanly » (« Comment monter un opéra à l’allemande », ou plutôt « allemandement ») reste un mystère. L’auteur en serait un chanteur et/ou metteur en scène préférant rester anonyme pour ne pas se griller dans le métier. Certains prétendent qu’il s’agirait du compositeur et ex-ténor wagnérien Gary Bachlund, lequel en a livré une très sérieuse version commentée. La charge contre l’école germanique de mise en scène est grosse, et l’ensemble dégage un désagréable parfum de réaction (c’est la loi du genre). Mais quel meilleur remède à l’overdose qui nous guette de Haendel en treillis, de Mozart au fast food et de Wagner façon Mad Max ? Il circule diverses versions de « How to opera germanly », plus ou moins augmentées et parées de variantes. L’urtext est en (mauvais) anglais. Le voici en (mauvais ?) français. Il est en vingt-six points. Pour vous permettre de l’assimiler plus facilement et devenir ainsi un as du Regietheater (théâtre de metteur en scène), comme on dit outre-Rhin, nous vous le proposons en trois leçons. Aujourd’hui : les huit premiers préceptes.

1) Le metteur en scène est l’élément essentiel du spectacle. Sa vision passe avant celles du compositeur, du librettiste, des chanteurs et surtout du public, composé d’idiots repus qui ne demandent qu’à être distraits et émus.

2) Le deuxième élément important est le scénographe.

3) La comédie est verboten, sauf si elle est fortuite. Laissons l’humour à ces abrutis de téléspectateurs.

 
4) Le jeu scénique doit être intense : on se roule par terre, on grimpe aux murs, on s’assoit sur le plancher nu.

5) L’attention du public doit se porter sur tout, sauf sur la personne qui est en train de chanter. Un air - forme musicale déjà démodé au siècle denier - doit être accompagné par des gens exprimant de la façon la plus triviale le mal être que leur inspire celui ou celle qui chante.

6) La fidélité au livret est passible de l’anathème, comme la peinture réaliste l’est pour le peintre abstrait. Ne racontez pas l’histoire, commentez-la. Mieux : dynamitez-la!

7) Quand il pousse une note aiguë, le chanteur doit être plié en deux, allongé par terre ou dos au public.

8) A certains moments, la musique doit s’arrêter, pour une raison obscure, mais intense.
François Lafon
 
Illustration : Mise en scène de Stefan Herheim de L'Enlèvement dans le sérail de Mozart (Festival de Salzbourg, 2003).
Photo: Karl Forster
lundi 22 mars 2010 à 09h29
Robert Badinter aime beaucoup l'opéra. Pas étonnant de la part d'un avocat : on s'assassine beaucoup dans le monde lyrique (sur scène bien sûr ; en coulisse, les crimes sont plus métaphoriques). En ce moment, il écrit un livret pour le compositeur Thierry Escaich. Le thème : les dernières heures d'un condamné à mort. Comme il est co-commissaire, avec Jean Clair, de l'exposition « Crime et châtiment » au Musée d'Orsay, il ne sort pas de son sujet. Il a déjà, en 1995, tâté de la scène avec C.3.3, une pièce sur la condamnation d'Oscar Wilde pour homosexualité (C.3.3., c'est le numéro de la geôle de Reading où l'écrivain a été enfermé). Le spectacle a remporté un « succès d'estime », c'est à dire qu'il n'a pas marché, et la pièce, qui tient davantage de la plaidoirie que de l'action dramatique, n'a jamais été reprise. Un livret d'opéra, c'est plus contraignant, mais aussi plus sécurisé. Impossible d'être bavard, la musique, qui ralentit tout, vous oblige à condenser. Difficile d'être dogmatique : la musique, qui travaille dans le sensible, va vous contredire. Interdit de pratiquer le double-sens, le non-dit, le sous-texte : la musique est là pour ça. Envahissante, la musique ? Pas si elle sait dialoguer avec l'action. L'opéra, qui est affaire de dialectique, lui demande avant tout de ne pas faire cavalier seul. Pourquoi ne donne-t-on jamais Pénélope ? Parce que la musique de Fauré est superbe, mais elle roule toute seule, indifférente à ce qui se passe sur scène. En revanche, Paillasse fonctionne très bien, et tant pis pour ceux qui en trouvent (à raison) la musique grossière. Ne voyez dans tout cela aucun non-dit quant à l'association de Thierry Escaich, compositeur spécialisé dans la musique sacrée, avec Robert Badinter, l'homme qui a fait abolir la peine de mort en France. Dans l'imagerie populaire, l'image de la guillotine se découpe souvent sur fond de ciel sans nuage.

Exposition Crime et châtiment. Jusqu'au 27 juin. Paris, Musée d'Orsay.

Polémique à la Scala de Milan à propos de la mise en scène du Tannhäuser de Wagner par La Fura dels Baus. Images choc, éclairages virtuoses, vidéos en folie : le collectif catalan déploie son arsenal habituel. Mais la grande idée du spectacle est que la rédemption de l'artiste déchiré entre l'empire des sens et l'aspiration à la pureté passe mieux si l'action est transposée dans une Inde colorée par le folklore bollywoodien. L'argument est recevable : là-bas, on fait encore la route à pied pour aller se purifier dans les eaux du Gange, alors qu'ici, on n'a pas encore vu Michel Houellebecq déguisé en Tannhäuser, se traînant jusqu'à Rome pour recevoir l'absolution papale.
Puisque l'actualisation est à la mode, il faut bien trouver des équivalences culturelles. On a vu à l'Opéra Bastille un Barbier de Séville déplacé par Colline Serreau dans le Maghreb (où l'on enferme encore les filles à marier), à la Cartoucherie un Tartuffe devenu islamiste par les bons soins d'Ariane Mnouchkine, et au Châtelet un Padmâvati (de Roussel) déjà bollywoodien, avec éléphants roses et jeunes premiers gominés. Les civilisations traditionnelles sont décidément bien utiles pour donner un coup de jeune (si l'on ose dire) à des intrigues qui ne sont plus de chez nous. C'est toujours plus raffiné que de transporter la prison de Fidelio à Guantanamo ou le séisme du Roi d'Ys à Haïti. Ce qui a le plus choqué, dans le Tannhäuser de La Scala, c'est la scène filmée où l'on voit Jean-Paul II vouer à l'enfer ceux qui ont commis le péché de luxure. Comme quoi il n'est pas toujours indispensable d'aller jusqu'en Inde pour se retrouver au XIXème siècle.

Wagner : Tannhäuser. Mise en scène : La Fura Dels Baus – Direction : Zubin Mehta – Milan, Scala, les 20, 24, 27, 30 mars, 2 avril.

Si Anna Nicole fait autant de grabuge que Jerry, Covent Garden tiendra mieux qu'un succès, un scandale! Vous ne comprenez rien ? Explication : Anna Nicole (Smith), c'est une playmate aux allures de Marilyn, qui a épousé un magnat du pétrole de soixante-trois ans son aîné avant de mourir d'une overdose en 2007. A partir de cette histoire dont les tabloïds britanniques n'ont pas manqué un épisode, le compositeur Mark Anthony Turnage et le librettiste Richard Thomas ont imaginé un opéra qui sera créé le 17 février 2011 sur la première scène lyrique du royaume. Richard Thomas est célèbre en Angleterre pour être l'auteur de Jerry Springer, the opera (2003), un musical qui a mis en émoi les ligues de vertu et dont le héros est l'animateur d'une émission de télé trash, où l'on voit couples et familles laver leur linge sale devant un public chargé d'attiser le feu (le show en question est diffusé ici sur une chaîne câblée - je ne vous dirai pas laquelle -, et il en existe même une version française). Mis en scène par le très sérieux Richard Jones, Anna Nicole sera incarnée par la soprano néerlandaise Eva-Maria Westbroek, que l'on a vue à Aix dans La Walkyrie et à la Bastille en Lady Macbeth de Mzensk. Imaginez Pascal Dusapin s'associant avec Laurent Ruquier pour un écrire un opéra sur Lolo Ferrari ! Ici, on préfère commander un Faust à Philippe Fénelon (première parisienne le 17 mars au Palais Garnier). Cela fait moins jaser, mais la réputation du service public est sauve.
Un Opéra au Burkina Faso. Un caprice colonialiste, comme celui de Manaus, dans la forêt brésilienne ? « Pas du tout, se défend Christoph Schlingensief, le metteur en scène et cinéaste allemand qui réalise là son rêve. Nous n'avons rien à apprendre aux Africains, mais beaucoup à apprendre d'eux. Le festival qui aura lieu tous les ans ne sera pas une copie de Bayreuth. Il mobilisera les énergies culturelles autochtones ». Curieux personnage que ce Schlingensief, réalisateur d'une trilogie filmée sur l'Allemagne (Les dernières heures du Führer dans le bunker ; Massacre allemand à la tronçonneuse ; Allemagne, bloc de réanimation), et metteur en scène d'un Parsifal dirigé par Pierre Boulez à Bayreuth en 2004, qui ont fait de lui un génie pour les uns, un imposteur pour les autres, pour tous un virtuose de la provocation. Arte lui a consacré une émission en septembre dernier, où on le voyait chercher le lieu idéal pour réaliser ce projet qu'il s'est juré de mener à bien il y a deux ans, après avoir été opéré d'un cancer du poumon. Dans un village de la périphérie de Ouagadougou, la première pierre a été posée le 8 février, et treize containers de matériel sont arrivés d'Europe. Le bâtiment, dessiné par Francis Ker, un Burkinabé résidant à Berlin, sera une spirale de béton, il comprendra des salles de spectacle, des ateliers, une école de musique et de cinéma, et même un dispensaire. Le Goethe-Institut, le ministère allemand des Affaires étrangères et la Fondation Culturelle Fédérale participent au financement. Ce qu'on ne connait pas encore, c'est le programme de l'inauguration, prévue en octobre, de ce « Village africain d'opéra ». S'il s'agit d'un spectacle monté par Schlingensief lui-même, le public local risque de se faire une curieuse idée d'une culture si longtemps considérée comme dominante.
dimanche 7 février 2010 à 00h05

Dans les années 1960, les Who voulaient donner leur opéra rock Tommy au Palais Garnier. Horreur des abonnés. Un demi-siècle plus tard, le compositeur italo-anglais Marco Sabiu lance - sur disque et, espère-t-il, sur scène - l'opéra metal symphonique. Le titre : Charlemagne, par l'épée et par la croix. La vedette : Sir Christopher Lee, quatre-vingt-sept ans, Dracula en chef du cinéma d'horreur britannique des années 1960, récemment relancé par Le Seigneur des anneaux de Peter Jackson. Rien de subversif dans tout cela, bien sûr. Le metal est plus poli que heavy, et Sabiu s'est rappelé qu'il avait travaillé avec Pavarotti. Encore une comédie musicale qui veut se donner des lettres de noblesse. A l'époque des Who, le seul nom d'opéra faisait fuir les beaux esprits, et le trio Pierre Boulez - Jean Vilar - Maurice Béjart achevait de le passer au Kärcher dans un rapport commandé par André Malraux. Aujourd'hui, Pascal Dusapin le partage avec Luc Plamondon et Jean-Pierre Pilot, l'un des compositeurs de Mozart, l'opéra rock. Mais personne, dans ce Mozart néo-disco n'a pour ancêtre l'auteur de Don Giovanni, alors que Christopher Lee affirme descendre par sa mère de l'Empereur à la barbe fleurie.

Au moins Hope, le spectacle qui fait fureur à Francfort, est moins ambitieux. Il ne se pare pas du beau nom d'opéra, comme naguère Nixon in China de John Adams et Peter Sellars, mais simplement d'« Obama musical story ». On y voit Mr President chanter « Yes we can » en duo avec Hilary Clinton, tandis que le public a la possibilité d'accompagner la musique au moyen du « plus petit tambour du monde » intégré à chaque siège. Une idée pour un futur opéra participatif ?

Charlemagne, by the Sword and the Cross. Opéra metal symphonique de Marco Sabiu. Dans les bacs le 15 mars.
Hope, Obama musical story. Jarhunderthalle, Francfort, Allemagne
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Une vieille lune, le cinéma interdit au moins de dix-huit ans? Que dire alors de l'opéra « déconseillé » aux moins de seize ans, pratiqué par le <a href="http://www.geneveopera.ch/index.php?id=3â

mardi 8 décembre 2009 à 16h40
A New York, les troupes rivales sortent les couteaux. Le MET et le New York City Opera ? Pas du tout : le Bleecker Opera et l'Amore Opera, tous deux issus de l'Amato Opera, un mini MET de trois cents places situé dans l'East Village. Après la disparition de son épouse et collaboratrice Sally Amato, Anthony Amato, directeur, chef d'orchestre et impresario, a décidé de mettre fin avec Les Noces de Figaro à une aventure commencée en 1948 avec Le Barbier de Séville. On n'imagine pas le nombre de chefs, chanteurs et metteurs en scène qui ont fait leurs débuts dans ce théâtre de poche où l'on n'hésitait pas à monter le répertoire le plus exigeant, avec quatre bouts de bois, un impeccable professionnalisme et une naïveté qui serait qualifiée chez nous de ringardise. L'Amato était soutenu par la ville et par la communauté italienne de New York, qui trouvait là un symbole de sa participation à la vie culturelle de son pays d'adoption. Or voilà que le Bleecker Opera, créé par Irene Kim, la nièce d'Anthony Amato, revendique haut et fort l'héritage, tandis que l'Amore Opera, dirigé par Nathan Hull, qui fut pendant dix ans baryton, metteur en scène et webmaster (sic) chez les Amato, se targue d'être le véritable dépositaire de l'esprit-maison. Le Bleecker ouvre sa première saison avec L'Amour des trois Rois, une rareté d'Italo Montemezzi, alors que l'Amore débute plus classiquement la sienne avec La Bohème de Puccini. Transferts, trahisons, passages d'une troupe à l'autre se multiplient. L'affaire prend des allures de Roi Lear chez les Sopranos ou d'East Village Side Story. Qu'attendent Martin Scorcese ou Woody Allen pour en faire un film, ou, mieux, un opéra ?
jeudi 3 décembre 2009 à 12h46
Rires jaunes parmi les abonnés de l'Opéra de Birmingham : un ténor noir chante l'Otello de Verdi. La presse en parle et, bien sûr, applaudit. La chose est rare en effet. En Angleterre, c'est même une première. Le metteur en scène Graham Vick persiste et signe, puisque Iago le traître est aussi incarné par un chanteur de couleur. Un drôle de scoop, en apparence, mais un scoop quand même. Nous nous croyons loin de l'époque (1955) où Marian Anderson a fait scandale en osant fouler les planches du Metropolitan Opera de New York, et même de celle (1981) où le festival de Bayreuth a déprogrammé le baryton Simon Estes sous prétexte qu'un Wotan non-aryen était impensable sur la Colline sacrée, sans parler des remarques politiquement incorrectes du metteur en scène Franco Zeffirelli à propos de Barbara Hendricks chantant La Bohème au cinéma (1988). Et pourtant des ténors noirs, il y en a : toutes les productions de Porgy and Bess ou de Treemonisha en attestent. Reste à avoir si Ronald Samm est un bon Otello. Depuis Jon Vickers et Placido Domingo, l'emploi est vacant. Question d'endurance, d'héroïsme et de couleur. De couleur vocale, bien sûr.
samedi 28 novembre 2009 à 13h38

Vous rêvez d'être joué au Covent Garden de Londres ? Alors inscrivez-vous au concours ouvert sur www.numu.org.uk/fanfare, et composez le thème qui remplacera la sonnerie de cour de récréation ordonnant aux spectateurs de quitter le bar pour rejoindre leur siège. Vous prendrez place dans une lignée où brillent déjà Wagner (les appels de cuivres enjoignant les pèlerins de regagner leurs stalles dans le temple de Bayreuth), Maurice Jarre (les fanfares appelant le peuple à venir découvrir les beautés de la culture dans la Cour d'honneur d'Avignon) et un certain nombre de compositeurs commis post mortem à cette honorable tâche (l' « Idée fixe » de la Symphonie Fantastique de Berlioz préludant aux concerts de l'Orchestre de Paris). Mais attention, pour concourir, vous devez avoir entre onze et quatorze ans. Recalés d'avance, Wagner, Jarre et les autres !