Mardi 19 juin 2018
Le cabinet de curiosités par François Lafon
Deuxième édition de Mutations/Créations au Centre Georges Pompidou (voir ici), en liaison avec Manifeste, le festival annuel de l’IRCAM. L’exposition Coder le monde renvoie à Raymond Lulle (l’Ars Magna, machine à roue organisant la réflexion théorique – 12ème siècle) et Blaise Pascal (première machine à calculer - 1642) pour mieux nous faire entrer dans le monde de la logique binaire et des algorithmes dont le dernier demi-siècle a vu l’exponentiel développement. Les littératures numériques, la conception digitale des formes en architecture et en design, le corps et le code, la musique et le code y sont largement illustrés. Large corner pour cette dernière, depuis l’invention de la combinatoire par Marin Mersenne (Harmonicorum Libri XII - XVIIème siècle), jusqu’aux récentes expériences de conception musicale à partir des techniques d’intelligence artificielle. Pour le néophyte avide de travaux pratiques spectaculaires comme pour l’initié blasé, Continuum de Ryoji Ikeda offre au même étage des sensations fortes. Le musicien et plasticien japonais installé à Paris y accompagne ses habituels « bruits blancs et ondes sinusoïdales » d’images vertigineuses dans un univers savamment déstabilisant : salle noire et écran géant pour code-verse, « méta-composition » impliquant l’œil autant que l’oreille ; salle blanche peuplée de haut-parleurs grand format pour A (Continuum), exploration des différentes fréquences qui ont défini la note « la » (« A » en allemand et anglais) depuis Bach jusqu’aux années 1970. Les personnes épileptiques sont priées de rester à la porte, ou de s’attarder dans les salles de Coder le monde, moins perturbantes (quoique…).
François Lafon

Mutations/Créations 2 : Coder le monde – Ryoji Ikeda : Continuum, Centre Georges Pompidou, Paris, jusqu’au 27 août. Forum Vertigo Coder-décoder le monde (rencontres et débats IRCAM), jusqu’au 16 juin. Festival Manifeste 2018, jusqu’au 30 juin. (Photo © Ryoji Ikeda Studio)

Conférence de Stéphane Lissner, suite du cycle « Le Collège de France reçoit l’Opéra National de Paris » inauguré le 10 avril (voir ici) par Philippe Jordan. Question du jour : « Pourquoi l’opéra aujourd’hui ? ». Deux dominantes dans les propos du directeur maison, ex-du Chatelet, ex-du festival d’Aix-en-Provence, ex-de la Scala de Milan : le plaidoyer pro-domo (de bonne guerre) et la volonté de rester accessible auprès d’un auditoire profane (les Français sont réputés plus littéraires que musiciens), fût-il composé de dignes professeurs et d’intellectuels de premier rang. Auteurs convoqués donc, et références calculées, le tout aidant à faire passer des messages subliminaux ou très directs (un des talents d’orateur de Lissner), dignes en tout cas d’un politique avisé. Attaque en force sous l’égide de Pierre Boulez et du philosophe Francis Wolff : opéra  = convention,  un art qui exclut. Et de citer Boulez - en nuançant la brutalité du propos - dans le célèbre rapport Boulez-Vilar-Béjart (1968) : « Il faut brûler les maisons d’opéra ». Suit une démonstration sans cesse nourrie de vécu : Un spectacle réussi se suffit à lui-même, et n’a pas besoin de mode d’emploi ; doute quant aux surtitres, qu’on lit au lieu de regarder et même d’écouter : Pina Bausch n’en voulait d’ailleurs pas dans son Orphée de Gluck ; répertoire limité : « adoration des cendres plus qu’entretien du feu sacré », disait Mahler. Emprunt à Wolff de la notion de « secrète alchimie » : émotion d’autant plus forte que l’esprit critique est désamorcé. Réalisme : la méconnaissance musicale peut être un atout. Vérité en deçà… : les Viennois viennent écouter une œuvre, eussent-ils vu vingt fois la production. Les Français veulent du spectacle. L’Italien Giorgio Strehler faisait naître sa dramaturgie de la beauté du mouvement scénique, alors que le Rigoletto de l’Allemand Claus Guth procède d’une boîte en carton signifiante. Esquisse d’un « Pourquoi l’opéra demain ? » : rompre la logique du magasin d’antiquités, ne jamais oublier que le public, fût-il le plus conservateur, cherche les émotions fortes (l’équilibriste va-t-il tomber ?), plus concrètement persuader la puissance publique que l’opéra ne peut être qu’un service public. Une devise : Excellence, invention, pertinence, le tout ponctué de deux extraits filmés qui définissent Lissner jusque dans sa ténacité devant l’adversité : le très contesté Cosi fan tutte par Anne Teresa de Keersmaeker et la justement encensée Fille de neige par Dmitri Tcherniakov ... tous deux chargés des prochaines conférences du cycle. 
François Lafon 

Collège de France, Paris, 14 juin

Dirigé depuis septembre 2013 par Marc Korovitch, le chœur O Trente, fondé en 2006 par Raphaël Pichon, aborde spécifiquement le répertoire romantique et du 20ème siècle, et s'est illustré en 2011 dans Noces de Stravinski dans sa version originale en français de Charles-Ferdinand Ramuz. Lors du concert du 7 juin dernier, O Trente a donné une interprétation mémorable du Stabat Mater de Dvorak, dans une version quelque peu abrégée et avec piano, ce qui se justifie par le fait que les voix, plus que la partie instrumentale, y sont chargées d'émotion. Antonin Dvorak a d’ailleurs composé cet ouvrage pour chœur mixte, quatre solistes et orchestre, en 1875-1877, sous le coup d'un drame familial : la perte de trois de ses enfants. Quoi qu'il en soit, le Stabat Mater de Dvorak ne perdait rien de son impact, grâce au jeu tout en nuances de la pianiste Joséphine Ambroselli et à la puissance dégagée par le chœur, cela dès le premier volet de l'œuvre, le plus vaste. Il faut dire aussi que les solistes vocaux étaient de haut niveau, et, dans le dernier volet, toutes forces confondues chantaient superbement la grandeur du Paradis. En complément de programme, trois pièces pour chœur à cappella dus respectivement à Edvard Grieg, à Charles Villiers-Stanford et à Morten Lauridsen, compositeurs américain d'origine danoise né en 1943. La puissance et le sens des contrastes d'O Trente se manifestèrent derechef, et Beati Mortui de Stanford, un des maîtres de Vaughan Williams, était dirigé par Richard Willerforce, appelé en septembre 2018 à succéder à Marc Korovich.
Marc Vignal
 
Temple du Saint -Esprit, 7 juin

Festival Palazzetto Bru Zane 2018 aux Bouffes du Nord : Au Pays où se fait la guerre, concert-spectacle créé en 2014. Commémoration d’un centenaire donc, et pas des plus joyeux. Et pourtant …Transcrits pour quatuor avec piano, ponctués par des mouvements de … quatuors avec piano (Gabriel Fauré, Mel Bonis, Théodore Dubois, Reynaldo Hahn), airs et mélodies racontent la France en guerre - celle de 14-18, éventuellement celle(s) d’avant -, vue ou ressentie par des compositeurs qui n’ont apparemment pas grand-chose à se dire. Là est la bonne idée, la « Fraîche et joyeuse » allant de pair avec noirs désespoirs et délires salvateurs. En quatre chapitres (Le départ ; Au front ; La Mort ; En Paradis) le quatuor I Giardini et Isabelle Druet, mezzo duparcienne (d’où le titre du récital) autant qu’offenbachienne, mêlent le rose et le noir : à la Grande Duchesse de Gérolstein brandissant (façon Jedi) le Sabre de son père, répond Exil de Cécile Chaminade (« Loin de l’amante, j’attends la mort »), et La Fille du régiment de Donizetti (« Ces gens-là ne respectent rien ») renvoie à Recueillement de Baudelaire et Debussy (« Vois se pencher les défuntes années »). Performance d’Isabelle Druet, maniant à l’avant-scène équivoque et ironie et se réfugiant dans le creux du piano pour chanter l’indicible. Performance des Giardini (Pierre Fouchenneret, Léa Hennino, Pauline Buet, David Violi) résumée aux saluts par un spectateur criant : « Merci aux cinq chanteurs ». 
François Lafon 

Bouffes du Nord, Paris, 6 juin (Photo © Michele Crosera/Palazetto Bru Zane)